共活、連結的藝術新衝擊

　　2014台北雙年展「劇烈加速度」

　　走在當代藝術的交會口，我們常常看著展場當中的作品，思考著甚麼是藝術？的確，當代藝術發展至今，它的面向已經不同於過往的面貌。新的媒材跨越了傳統的繪畫，手邊的日常生活物件、高科技的電子互動，均成為了藝術家的創作媒介；創作的題材內涵也從對於美的展現，轉而思考著人與社會、自然關係的鏈結。每兩年一度的台北雙年展，將國際當代藝術的視野及舞台帶進台灣，透過策展人思考著社會現況，進而提出策畫命題，以藝術反映出當代思潮的新風貌，甚至預言當我們站在未來的交會口時，我們選擇可能的路徑將會如何改變人類的未來。

　　「劇烈加速度」正是策展人尼可拉·布西歐（Nicolas Bourriaud）藉由對於當代藝術與社會現況的細膩觀察，所提出的策展命題，並藉由五十二位台灣與國際級藝術家，展現藝術新趨勢。尼可拉·布西歐現為法國高等美術學院院長，並於一九九九年與「二〇〇〇台北雙年展」策展人傑宏·尚斯共同創立位於巴黎的當代藝術新地標「東京宮」（Palaisde Tokyo），豐厚的策展經歷以及藝術觀察，更讓他在二〇一三年獲英國藝術雜誌Art Review入選為全球藝壇最具影響力的百位人士。而他在一九九八年所發表的美學著作《關係美學》，更被奉為當代美學經典，並於全球各地譯作十二種不同文字發行。

　　共活景況的「劇烈加速度」

　　以科學史的角度切入當代藝術與人類生活，是策展人布西歐今年所提出的獨到見解，藉由「人類世」（Anthropocene）的色的藝術家為主。而作品與作品之間的細膩意涵串聯，更構成了雙年展不同於其他展覽的特點。

　　由一樓大廳巴西藝術團體「OPAVIVARá！」作品〈福爾摩莎慢活茶〉作為開場，策展人以「不活動」的速度，提出了一種非生產的慵懶空間氛圍，進而導出了大廳兩翼台灣藝術家黃博志〈生產線—中國製造&台灣製造〉與彭泓智的〈大洪水—諾亞方舟計畫〉作品；工業以及藝術的生產，在人工縫紉以及3D列印機射出的對比之下，產生了微妙的對反以及權力關係。

　　以物為名的「共活性」

　　強調「共活性」的概念，使今年的藝術視野脫離了以人為主體的範疇。吳權倫〈沿岸採礦〉透過海邊撿拾的廢棄物，再製、轉化而為不具厚度但具有量感的扁平影像，呼應著羅傑·海恩斯將客機引擎霧化而為一攤大型粉末的〈無題〉。物件的原始形體雖由人所定義，但脫離了人的定義之後，物件反而更超越人的想像力，如同彼得·布根豪特此次展出的三件大尺度巨型雕塑〈盲人帶領盲人〉系列，乍看之下一團混亂的廢棄物，其中卻又有著內在邏輯與合理性，藝術家開放性的解釋不提供任何線索，卻又有著詩意的氛圍，靜待觀者解讀。

　　以無機、機械物件作為創作主體，是否能帶出另一種風景？艾莉莎·巴倫波茵為本屆雙年展構思的作品〈全球系統〉，以毫無關聯的工業零件裝配出有機生物的樣態；仿生的結構予觀眾帶來的生命，其中的矛盾錯覺，亦如同羅智信透過日常物件的轉化、擬人象徵手法，〈飼養箱〉系列運用台灣常見的開運竹、苔球等，在東方文化的形象中進行多層次轉化。當機械物件有了思想與情感，他們是否也有葬禮呢？鐵木耳·斯琴透過作品構想出機械人的第一場葬禮，場景一如尋常的弔念場合，但在其中，也讓觀者思考著生命的意義是否也等同於機械物件。

　　「生存處境」的藝術觀察

　　身分、性別認同，向來是當代藝術關懷的核心重點，亨利·奧森的作品〈A.T.〉，以電腦之父艾倫·圖靈的肖像與傳記進行解構，進而架構出在零與一之外的後現代身體；胡迪尼森·朱尼爾藉由影印機創作的〈無題〉系列，則將身體不斷的放大影印後，支解、拼貼尋找著屬於藝術家自己的身體。由自身處境到社會群體，台灣攝影家周慶輝以編導攝影，營造出在動物園中的當代人們生活，荒謬、錯置的時光安排，作品〈人的莊園〉營造出異樣的視覺體驗，同時也是社會處境、框架的具體寫照；瑞秋·羅斯的作品〈坐著、吃著、睡著〉同樣質問著人們，冷冽溫度的展場縈繞著藝術家的旁白，影片的結尾敘述著：或許我們活著，僅只是為了我們所製造的變異。而派崔克·范·凱肯柏則透過神祕且驚悚的〈風景如畫的解剖室〉系列作品，將藝術家不同時期的作品，建構出如解剖室般的神祕殿堂，進一步進行社會、消費、宗教的反思。

　　生態／空間的新轉譯

　　如同「劇烈加速度」的策展理念，人對於環境的影響，則在尼可拉·尤利布魯的作品〈綠色宣言〉系列中，以綠色的力量關注並提高環保意識，並透過自然與文明對抗，開展生態政治學，藉由藝術提高人們對於環境的重視。瓊·喬納思的作品〈復活二號〉，以冰島作家拉克斯內斯的小說為發想，並以地球暖化造成冰川融化進行反省；展場空間獨特的日式紙糊拉門，使觀者與作品中的水晶反射光線進行著私密的互動，璀璨永恆的美麗光線，卻又對比著影片中日漸消逝的冰川遺跡。

　　藉由空間的轉化，產生不同於美術館經驗的看展空間，如同大衛·杜爾的作品〈保持平靜，繼續前進〉，大賣場一般紛亂的物件，象徵脫序社會的種種元素，共存於展場空間之中，醞釀出作品中的對話、抵抗與開放的詮釋。而藝術家納約·弗里曼與賈斯汀·洛威的作品〈浮動鍊〉，則以3個不同的空間環境改造與串聯，將美術館的展間擴增為混種都市，對於當代藝術家最難以利用的典藏展區展間，脫胎換骨之後，彷彿是藝術家對於台北的城市印記展現。

　　強調「連結性」的藝術新方向

　　當二〇一三年網際網路中可使用的IP數量已超越全球總人口時，也促使著策展人思考，當代藝術的重點已從主體性轉為連結性，在此連結性中，物、人和自然環境交換了彼此的價值，也產生了展覽中不斷強調的「共活性」；如同策展人在《關係美學》著作中強調的，「當代藝術除了理論也重視實踐，當代藝術除了面對來自真實生活的挑戰，同時也必須思考它與社會、歷史及文化之間的關係」。回頭反思當代藝術是甚麼呢？或者如同蘇拉西·庫索旺的作品〈黃金幽靈〉，觀眾努力地在五噸的棉線堆中，尋找著十二條金項鍊；金項鍊的尋找過程讓作品完整，而展覽的意義，也有待觀者在展場中細細品味與尋找。

　　文／傅遠政 圖／台北市立美術館提供